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    Archived pages: 832 . Archive date: 2014-01.

  • Title: Rodolfo Galeotti Torres - Enrique Gómez Carrillo
    Descriptive info: Escultura en bronce,.. c.. 1960.. Antiguo Parque Concordia, hoy Parque Enrique Gómez Carrillo.. Capital de Guatemala.. Página de la Literatura Guatemalteca.. Copyright 1996-2006 Juan Carlos Escobedo.. Última revisión: 26/03/06.. por..

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  • Title: Rodolfo Galeotti Torres - El Jugador de Pelota Maya
    Descriptive info: El Jugador de Pelota Maya.. Centro Financiero, capital de Guatemala..

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  • Title: Rodolfo Galeotti
    Descriptive info: Rodolfo Galeotti.. Su labor corresponde más a los cánones del regionalismo académico.. Por : Guillermo Monsanto.. Prensa Libre.. Guatemala, domingo 23 de diciembre de 2001.. Rodolfo Galeotti Torres (Quetzaltenango 1912, Guatemala 1988) es uno de los pocos artistas guatemaltecos del siglo XX con una carrera que le llevó a producir múltiples obras públicas.. Su primera formación, realizada en el taller familiar en la ciudad de Quetzaltenango, orienta su gusto hacia trabajos realizados en mármol.. Andrés Galeotti, padre de Rodolfo, llegó a Guatemala durante el gobierno de José María Reyna Barrios para trabajar en los distintos proyectos que desarrollaba la casa contratista de Francisco Durini.. Más adelante, por las posibilidades que ofrecía Quetzaltenango luego del terremoto de 1902, se traslada a esa ciudad para emprender varios trabajos afines con el oficio de marmolista.. Es allí donde se afinca y forma su familia.. En 1931 Galeotti Torres va a estudiar a Carrara, Italia, por espacio de tres años.. En esa ciudad aprende a devastar el mármol en la Escuela Libre de la Real Academia de Bellas Artes.. A parte de escultura también incursiona en el campo de la arquitectura y toma una especialidad en desnudo.. Simultáneamente visita talleres de escultores, modeladores y ornatistas.. Los distintos catálogos que reseñan su labor indican  ...   primera exposición pictórica en la Sociedad de Geografía e Historia.. Aunque en aquel momento esas pinturas recibieron agrias críticas, dos de esa serie que se exhibirán a partir del año próximo en el Museo Nacional de Arte Moderno Carlos Mérida, denotan su búsqueda dentro de las corrientes en boga del período al que corresponden.. De 1939 a 1941 decora el exterior del Palacio Maya de San Marcos, obra que sólo puede ser calificada desde el punto de vista experimental debido a las características eclécticas de los símbolos utilizados.. En esta línea son las decoraciones exteriores e interiores del Palacio Nacional, junto a la fuente del Parque Central, las que más denotan su experiencia en el campo de la decoración arquitectónica.. Entre 1945 y 1954 trabajó en la Dirección General de Obras Públicas desde donde desarrolló varios proyectos de integración en escuelas y edificios públicos.. La Revista de la Escuela Nacional de Artes Plásticas (la cual dirigió entre 1947 y 1954) clasifica su labor dentro del realismo socialista de la escuela figurativa mexicana, aunque su labor corresponde más a los cánones del regionalismo académico.. Galeotti interpretó y recreó personajes de la historia cívica, cultural y militar de Guatemala.. Su obra creativa, generalmente de pequeña dimensión, es poco conocida en el presente..

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  • Title: Rodolfo Galeotti Torres
    Descriptive info: Canto al sudor.. Escultura en yeso (.. 1953).. Anaité Galeotti Moraga.. Homenaje Maestros de la Plástica Guatemalteca.. Fundación Paiz en exposición.. Hablar de Rodolfo Galeotti Torres es hablar de la historia del arte guatemalteco del siglo XX y a través de su obra, conocer los personajes que han nutrido nuestra historia.. Es profundizar sobre un artista nacional que manifestó a lo largo de su vida una única y permanente preocupación: el trasladar a las generaciones presentes que la historia oficial e incluso la no oficial le aportaron a la Guatemala de hoy.. El Maistro Galeotti Torres fue un artista con una obra que trascendió fronteras y épocas, y que cumplió abundantemente con los fines didácticos que él se trazara.. Podríamos iniciar como en todas las biografías diciendo que Rodolfo Galeotti Torres nace el 4 de marzo de 1912 en Quetzaltenango de principios de siglo, cuando aún no se iniciaba la primera guerra mundial.. Esa ciudad de apariencia señorial en la cual sobraban las buenas costumbres y los nobles sentimientos, que ha aportado grandes hombres y mujeres a nuestra patria.. Era hijo de un inmigrante italiano, de la región de los mármoles (Carrara) cuyo objetivo fundamental había sido venir a decorar el llamado Palacio de la Reforma en época del presidente José María Reyna Barrios, así como esculpir innumerables esculturas decorativas que adornaban el novísimo Paseo de la Reforma, su nombre era Andrés Galeotti Baranttini y su esposa María Concepción Torres.. Rodolfo fue hijo único en un hogar donde la presencia fraterna de arquitectos y artistas italianos radicados en Quetzaltenango, deriva en constantes charlas sobre los artistas clásicos que Italia ha heredado a la humanidad.. El 22 de enero de 1931 se gradúa en Ciencias y Letras, en el Instituto Normal de Varones de Occidente INVO, donde realiza sus estudios secundarios.. Ese mismo año, es enviado por su padres a Carrara, Italia, a la misma academia donde estudió su padre.. Se embarca en Puerto Barrios.. En Italia inicia sus estudios en 1931, siendo sus principales maestros Guelfo Raffo, Augusto Pollina y Arturo Nelli, graduándose el 24 de junio de 1933 como Profesor Honorario de la Academia de Bellas Artes de Carrara.. Allí aprende la talla directa en el mármol y la piedra, tanto en alto y bajo relieve como en escultura exenta.. Desentraña también los misterios del bronce, cuyo proceso de fundición le será tan útil en su Patria para inmortalizar a nuestro héroe nacional Tecún Umán y tantos personajes más.. Al regresar a Guatemala, se instala en Quetzaltenango, iniciándose dentro del mundo del arte a través de la pintura.. El artista va visualizando en Europa a uno de los principales personajes de nuestra historia: el maya.. Y es a través de la interpretación artística del libro sagrado de los k iches que van surgiendo los personajes míticos de dicha obra.. Como escribiera el poeta quetzalteco Víctor Meléndez y Ara Los mayas habían sentido comodidad en la sangre del Maistro para que su grandioso abolengo hablara con sus pinceles.. Sin embargo, los volúmenes lo traicionan y Galeotti no pinta, esculpe con el pincel.. Su formación de escultor lo delata, pese al trazo preciso con que plasma las figuras anatómicas de los personajes.. Entonces un amigo de esos años, el poeta Víctor Villagrán Amaya le comenta: Rodolfo, lo tuyo es la escultura, mejor dedícate a eso.. A finales de 1938 Galeotti es llamado a ejecutar los primeros bocetos del palacio Maya en Quetzaltenango.. Luego, con el artista Adalberto de León Soto, quien recién se iniciaba en los campos de la arquitectura y escultura, se traslada a San Marcos.. La decoración la realiza de acuerdo a los espacios que la arquitectura (a cargo del maestro constructor don Adolfo Pacheco) le permite.. Varios detalles que realiza se inspiran en  ...   donde la pareja se entrelaza en un beso o en una caricia que recuerda lo apretado del paisaje de nuestras montañas y volcanes.. Hombres volcanes, mujeres montañas, cuyo hálito pétreo está revestido de ternura y poderosa sed de amor.. En esta misma década surgen formas libres y con ritmo constante, más parecidas a aves que a mujeres, esta nueva expresión se manifiesta en la cadencia de las formas femeninas, senos y caderas que recuerdan formas vegetales librando una silenciosa lucha para incorporarse al aire, soltándose de la tierra en increíbles equilibrios.. Formas aéreas, aves-mujeres que había de una libertad no sólo concebida sino practicada, silencio del material y del espacio en concreción de formas y colores.. El concreto se hace uno con el mosaico y la solución es una sinfonía.. Formas escultóricas que anidan formas vegetales, haciendo posible la convivencia del arte y la naturaleza.. Ya en la década de los sesenta, Galeotti refiere en su obra pública el legado de las figuras históricas.. Mediante reposadas lecturas y acuciosas investigaciones va proponiendo a las autoridades la concreción de bustos y relieves con un afán cívico.. El didactismo del artista se equilibra con la fiel interpretación de los personajes.. La selección de los mismos la base fielmente en el aporte que cada uno de ellos le ha dado al país, en ese sentido, regatea fuertemente el que sus personajes no sean figuras que hayan tenido que ver con capítulos obscuros de nuestra historia.. Es así como una de sus primeras obsesiones toma cuerpo y camina hacia la luz.. La figura señera de Tecún Umán, bajo los impulsos de un tenaz Rafael Téllez García que lo recrea para la niñez y la juventud guatemaltecas, se va constituyendo paso a paso.. Galeotti crea cuatro versiones del mismo Héroe nacional, y las reparte en los cuatro costados de nuestra geografía y allende fronteras.. Después de ese monumental impulso que dura casi treinta años, decide realizar las estatuas de otros dos héroes indígenas Manuel Tot y Atanasio Tzul, las que tras interminables investigaciones en el Archivo General de Centroamérica, se concretan en las dos impresionantes figuras.. Atanasio arrastra con su viento fuerte a los k iches para rebelarse contra el gobierno español, mientras que Manuel, con las manos encadenadas, rechaza una libertad ficticia que aún no acaba de concretarse.. El monumentalismo aún lo acompaña, cuando cede a la sublime tentación de esculpir al Apóstol de la humildad.. Aún se siente el viento de la caridad que empuja al hoy Santo Hermano Pedro de Betancur, pero como el mismo artista dijo: Es un hombre humilde, que con la mano izquierda toca la campanilla y con la derecha espera la dádiva generosa; es un hombre, es un hombre santo.. Y con esa escultura Galeotti Torres nos recuerda la importancia de la humildad y el placer de compartir con los demás.. Posteriormente, ya en los setenta realiza otra de sus máximas obras, el Jugador de Pelota Maya.. Aunque ya no quedan trazos de monumentalismo, el gesto del personaje indica movimiento y cadencia.. El individuo está absorto en el juego.. El gesto así lo indica.. Debe acertar, debe colocar la pelota en el marcador, le va la vida en ello.. Parece que el Maistro Galeotti ha logrado detener el tiempo, la dinámica del personaje y sus atavíos nos trasportan al período clásico, donde todo reviste ceremoniosidad y donde los hitos más importantes de la vida de cada individuo tenían que ver con la muerte.. Durante la década del ochenta, Galeotti Torres concluye el monumento al papa Juan Pablo II.. Esta magnífica obra muestra el espíritu de tan venerado personaje.. Con esta obra Rodolfo Galeotti Torres cierra su prolífera vida dejando una trayectoria de trabajo fecundo y amor inmenso a su país y a su gente..

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  • Title: Margarita Azurdia
    Descriptive info: Temas de interés: elAcordeón.. Últimas tardes con Margarita.. El pasado noviembre se inauguró en Costa Rica el proyecto Estrecho dudoso, un evento internacional de artes visuales organizado por Teorética, para celebrar la declaratoria de San José como Capital Iberoamericana de la Cultura 2006.. Como parte de las muestras se abrió una gran exposición retrospectiva titulada Margarita Rita Rica Dinamita, de la artista guatemalteca Margarita Azurdia (Guatemala, 1931 1998).. Esta exposición pretende rescatar y dar un reconocimiento póstumo a nivel internacional a una de las artistas más interesantes y polifacéticas de Latinoamérica.. Rosina Cazali, curadora de la muestra, repasa en el siguiente texto la trayectoria de la artista.. Rosina Cazali /elPeriódico.. A finales de 1996 me reuní con Margarita Azurdia para revisar lo que sería la segunda edición de su libro de poemas y dibujos titulado Iluminaciones.. Era una tarde de noviembre, castigada con un sol intenso que se colaba por la ventana que teníamos al frente y que caía sobre nosotras.. Lo normal hubiera sido trasladarse a otro sitio, pero, en la casa de Margarita, las cosas nunca sucedían de manera exactamente normal.. En el punto máximo de la temperatura matutina, esta mujer canosa y ágil saltó de su silla, sin dejar a un lado el hilo de la conversación, se dirigió a su habitación y regresó a la mesa de trabajo con dos sombreros de ala ancha que enfundó sobre nuestras cabezas.. Y nuestra reunión continuó hasta muy entrada la noche.. Anécdotas como esta y otras tantas extravagancias podrían relatarse sobre Margarita.. Para la sociedad tradicional fue la mujer que siempre provocaba una presencia incómoda, la que adoptó a varios perros callejeros y a los cuales dio nombres singulares como Guadalupe o Milagro de Amor.. También fue la artista que irrumpió en una exposición ataviada con una elegante casulla de obispo o escribía poesías que, para los conocedores, no pasaban de ser afrentas a la corrección poética, como aquel famoso verso que la marcó para el resto de sus días como Margarita Rita Rica Dinamita.. Ante todo, fue la artista que desestabilizó un escenario de artistas dominado por los hombres y que, a mi manera de comprender su historia y su época, la más talentosa de todos.. Primeros años.. La primera incursión profesional de Margarita Azurdia en el mundo del arte comenzó en los años sesenta.. En aquellos años, artistas como Gego (Alemania Venezuela), Lygia Clark y Hélio Oiticica (Sao Paulo, Brasil) o Mathias Goeritz (Alemania México), estaban produciendo experiencias que cambiarían la percepción del arte en Latinoamérica.. A diferencia de Azurdia, los cuatro provenían de países con fortísimas tradiciones asociadas al arte moderno, no solo en tiempo sino en todos los componentes de crítica y comunicación internacional necesarios para colocarlo en escena.. Por ello, la obra de la guatemalteca no fue identificada de inmediato o debidamente registrada.. Otra de las razones por las cuales es difícil reconocer su obra depende en mucho de los giros de su vida personal.. A los inicios de su trayectoria, la artista fue reconocida y situada en la biografía del arte latinoamericano a través del nombre y el apellido que utilizaba cuando aún estaba casada: Margot Fanjul.. Sin embargo, a través de los recorridos por el panorama del arte latinoamericano que hicieron críticos como Marta Traba, se denota el aprecio que su trabajo estimulaba.. En su ensayo titulado Décadas de cambio, Traba colocaba a Margarita a la par de Luis Díaz (Guatemala, n.. 1939) y de Constancia Calderón (Panamá, n.. 1937) como una de las figuras más emblemáticas para el arte centroamericano.. Marta Traba hablaba sobre su obra geométrica con vehemencia y la reconocía como una experiencia de formas bien articuladas, como zonas de color inspiradas en los textiles tejidos utilizados por las mujeres indígenas de su país de origen.. En realidad, fue esta primera etapa la que mayor atención produjo en el escenario internacional, por su hermandad con los lenguajes geométricos abstractos que caracterizaban la época.. No obstante, Margarita nunca se aferró a una fórmula que le garantizara el éxito o un lugar en los anales del arte Latinoamericano.. Pasaba de una cosa a otra si su trabajo se lo pedía.. El body art, la búsqueda de la espiritualidad en el arte, la experiencia de la poesía, el feminismo o su activismo cultural le dotaron de una serie de experiencias que provocaron más de una polémica en Guatemala o una descalificación sistemática sobre su persona.. Margarita Azurdia nació en La Antigua Guatemala en 1931.. Su infancia y sus estudios primarios transcurrieron entre las paredes del internado del Colegio Belga y el English American School.. En años posteriores en Loretto Academy, un internado situado en Canadá desde donde se divisaban las cataratas del Niágara.. Después de regresar a Guatemala, con apenas 20 años de edad, se casó con Carlos Fanjul, un ingeniero aeronáutico con el que formó una pareja que no pasaba desapercibida por su gran atractivo y sofisticación.. Como Margot Fanjul realizó su primera exposición personal en 1964, esta consistía en dos muestras simultáneas en la Escuela Nacional de Artes Plásticas y en el edificio Cruz Azul de la ciudad de Guatemala.. En este segundo recinto expuso una serie de lienzos blancos con chorretes de pintura blanca que, para un medio provinciano y sin referentes, fueron sentenciadas con insultos y huevos lanzados sobre la puerta del salón.. Pero para artistas como Moisés Barrios fue el primer acercamiento al verdadero significado de la palabra vanguardia.. En los siguientes años realizó las series de pinturas que recordaban  ...   país como analogía de su propio rescate.. De esa cuenta, un nuevo proyecto escultórico comenzó a tomar forma.. Es, probablemente, la serie más ambiciosa y más conocida de la artista, principalmente por su extraordinaria fantasía y el uso de materiales inesperados.. Consiste en una colección de tallas directas en madera que fueron encargadas a artesanos especializados en figuras religiosas.. Como un proyecto de participación colectiva, la artista proporcionaba bosquejos a los talladores quienes seguían al pie de la letra sus indicaciones y requerimientos.. Las tallas generalmente representaban formas antropomorfas y zoomorfas que posteriormente eran pintadas con colores y diseños vibrantes, colocadas usualmente sobre mesas sencillas de madera y, por último, decoradas con pieles y plumas de animales exóticos así como artesanías o materiales rudimentarios.. En más de una oportunidad los colores crudos han recordado la imaginería religiosa popular o las máscaras y parafernalia utilizadas en bailes tradicionales del altiplano guatemalteco.. La dedicación que la artista depositó en esta serie, más la profusión de materiales y colores, conformaron una especie de trampa del destino o catarsis definitiva de los excesos.. Al concluir la colección fue exhibida en un campo abierto en una sola ocasión, sin mayor alarde o asistencia de espectadores.. En 1974 Margarita Azurdia con el abandono definitivo de su apellido de casada embaló las piezas para dejarlas almacenadas y se trasladó a París para dejar tras de sí el peso de los materiales, que, al final de cuentas, fue uno de los actos que se transformó en metáfora de lo que la crítica guatemalteca Lucrecia Méndez de Penedo calificó como un intento de huida del caos o la premonición del encuentro salvífico.. Días en París.. Retornos a Guatemala.. Como resultado de su traslado a Francia, sucedieron cambios trascendentales para la experiencia cotidiana tanto como en el desempeño creativo.. El primero tiene que ver con la reducción del espacio físico, lo cual venía a ser una experiencia opuesta a la amplitud a la cual Margarita estaba acostumbrada.. Como consecuencia, aprendió a dibujar y comenzó a escribir poesía.. De ahí resultaron obras como los libro Margarita Rita Rica Dinamita y El encuentro de una soledad y el reconocimiento de su obra poética al ser seleccionada para conformar la Antología de Mujeres Centroamericanas, la cual estuvo a cargo de Zoe Anglesey para Granite Press de Nueva York.. Como suceso lógico, lo que precedió a la conciencia del espacio físico fue la toma de conciencia del propio cuerpo.. A los 42 años de edad, Margarita Azurdia se inició en la danza contemporánea bajo la tutela de Nora Parissy y Tanaka Min en el centro experimental La Forgue.. Después de la intensa experiencia parisina, en el año de 1982, Margarita retornó a Guatemala y fundó el llamado Laboratorio de Creatividad.. Bajo su dirección, este colectivo contó con artistas como María del Carmen Farrington, Marta Olga de Noriega, Marie Joe y Fernando Iturbide.. El cometido del Laboratorio era presentar las experiencias corporales en plazas públicas, galerías de arte y espacios extra artísticos donde el grupo presentaba coreografías extrañas y desentonadas, como el método más directo de obligar al público a reaccionar de alguna manera.. En una conversación reciente, Tasso Hadjidodou me comentaba que había encontrado una fotografía donde aparecía él rodeado de algunos de los integrantes del grupo vestidos de payasos.. Como mimos , insistió.. Pero me parece que las intenciones personales de Margarita estaban muy lejos de limitarse al espectáculo cómico.. Sus textos lo demuestran.. Estos incluyen finas reflexiones sobre el movimiento del cuerpo, su presentación y efecto sobre el espacio público y una conciencia sobre la importancia de insistir sobre su carácter disidente.. Evidentemente el trabajo de aquella época fue dominado por un ímpetu colectivo que generó una visión particular sobre el happening, la cual incidió en las presentaciones a partir de una formulación de ligerezas y la desproblematización de los conceptos que han sustentado las distintas formas de accionismo.. La euforia del laboratorio se apagó y Margarita dio continuidad a sus investigaciones de movimiento y creatividad en espacios más propicios para la reflexión, a través de talleres que convocaba y impartía en su casa estudio.. En 1994 fue invitada por la galería Sol del Río para participar en una exposición colectiva que reunía a artistas que exploraban en medios no tradicionales.. Durante la exhibición, titulada Indagaciones, realizó uno de sus proyectos más emblemáticos.. Signado por el espíritu de las danzas sagradas y sus ideas sobre la relación entre arte y vida, consistía en una ceremonia dedicada al principio femenino de la naturaleza y la diosa Gaia.. En los últimos años, Margarita dedicó todos sus esfuerzos a la publicación de su libro Iluminaciones, a la conformación del museo Margarita Azurdia y la Fundación Milagro de Amor, la cual preserva el patrimonio de la artista bajo el cuidado de su nieta Amaranta Fanjul.. Hoy día, el museo permanece cerrado.. Sus muros aún conservan las huellas de un papel de rosas que estuvo pegado por muchos años.. Una serie de vestidos y objetos personales traen a la memoria su maravillosa excentricidad y los cortinajes blancos que cubren puertas y ventanas identifican esa espiritualidad que buscó durante toda su vida.. En estos últimos meses lo que se extraña es la presencia de sus obras.. Las 11 esculturas únicas sobrevivientes fueron completamente restauradas junto con los dibujos, los cuales habían sufrido por el paso del tiempo y la humedad.. Actualmente conforman una exposición retrospectiva de la artista en el museo Calderón Guardia en San José, Costa Rica.. Última revisión: 13/11/06..

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  • Title: Rina Lazo
    Descriptive info: Niña vendedora de flores.. , óleo sobre tela, 90x90cm.. Pencas de maguey y tunas.. , óleo sobre tela, 30x40cm.. Noche de muertos.. , óleo sobre tela, 70x90 cm.. Cosechando elotes.. , óleo sobre lino, 97x74 cm.. CAMPESINO DE OAXACA Xilografia a tres Planchas, 42x28 cm.. HACIENDA, Xilografia, 21.. 5x14.. 6 cm.. El sembrador.. Linóleo.. 1955.. Rina Lazo..

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  • Title: Manolo Gallardo
    Descriptive info: Tomado de.. Prensa Libre, Guatemala,.. jueves 06 de noviembre de 2003.. Manolo Gallardo y Las tres gracias.. Dicho tema es una denuncia por la situación actual que vivimos los guatemaltecos, a decir del pintor.. Por : Ingrid Roldán.. Esta obra, que mide 2.. 50 x 2 metros, es un reflejo de la situación actual.. Se encuentra abierta la exposición de obra reciente de Manolo Gallardo, en La Galera, Cuatro Grados Norte.. En la misma presenta dos temas: Las tres gracias y Onanismo angelical.. El primero es de denuncia por la situación actual que vivimos los guatemaltecos, y el segundo es de pinturas con las que trata de romper esquemas, tabúes, prejuicios y mojigaterías , a decir del pintor.. Por qué unir en una exposición dos temas tan distintos?.. En principio yo sólo quería exhibir este que se llama 'Las tres gracias', pero como había estado trabajando el otro tema y me pareció que poner un sólo cuadro era muy poco.. La gente siempre quiere ver bastantes cosas y por eso los traje, aunque no tienen que ver los unos con los otros.. Podría amarrarse de alguna forma, por ejemplo hay una de mis desnudas que tiene dos manos derechas, eso es intencional.. Más vale tener dos manos derechas que un montón de manos izquierdas como nuestros gobernantes, como son mentirosos no tienen mano  ...   han ido perdiendo sus alas, se les desmoronan, algunas sólo un ala tienen, otras ya no tienen nada.. Ya perdieron lo que las hace ser ángeles, lo que las hace ser lindas y sublimes y valer algo.. Así estamos los guatemaltecos, en un caos tremendo y por eso son las calaveras que tanto las tiene una bebesita de dos años como una ángela adulta.. Está la justicia sin los ojos vendados, ya no funciona como justicia.. Por qué sus ángelas son tan terrenales?.. Siempre mis ángelas son de aquí de la tierra, seres humanos, ángelas que se pueden tocar con los manos y con los ojos porque yo no creo en los ángeles de La Biblia, en los ángeles espirituales, pero en estos sí porque los puedo ver.. Y en este nuevo tema?.. Romper un poco con tantos tabúes y prejuicios y mojigaterías de todo mundo, Uy, la masturbación! La misma modelo que me posó para esto me decía: 'yo quisiera ver que algún día en los colegios les enseñaran a las muchachitas y a los muchachitos a masturbarse de una forma científica, sin llenarles la cabeza de tanta porquería'.. Usted cree que alguna familia querrá tener uno de estos cuadros en su sala?.. Por supuesto que sí, mucha gente me ha preguntado cuánto valen, tiene intención de comprar.. Pinacoteca guatemalteca.. Última revisión: 04/09/06..

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  • Title: Untitled Document
    Descriptive info: El que expone se expone.. Entrevista hecha a Ramón Banús por Christa Bollmann para el periódico Siglo XXI.. [email protected].. El viernes se abrió en la Galería Plástica Contemporánea la exposición Ayer, hoy y mañana de Ramón Banús, pero de lo que ha sido, es y será su obra, no fue lo único de lo que habló con Magazine 21, el martes.. En casa del artista y frente a algunos de sus cuadros más recientes, se refirió a su oficio, uno que califica de emocionalmente intenso, y físicamente peligroso.. Intento ser objetivo, sin catalogar las cosas que retrato sobre el arte urbano.. Emocionalmente (el trabajo) es muy intenso, agotador; físicamente, ya es peligroso.. Alguna vez le valió una amenaza.. Cierto.. ?.. Me asaltaron y me amenazaron en un par de oportunidades; son cosas que le ocurren a cualquier persona por casualidad cuando va al centro (de la ciudad).. Como artista, uno considera que al retratar cosas que ve está estableciendo un puente de comprensión con el guatemalteco, pero siempre hay individuos que buscan otras cosas.. Ha dejado de frecuentar algunos sitios?.. Sí, pero es una constante en mi trabajo y pienso repetirla aunque dejándole un poco de aire, para poder ver las cosas de forma fresca y diferente, y enfocarlas cada vez mejor.. Han cambiado mucho esos cuadros o historias cotidianas de lugares públicos, que dibuja desde hace varias décadas?.. Lo que ocurre es que ahora veo una mirada de hostilidad que no veía.. Hay un contraste entre el costumbrismo y la paca; entre la música de rap y la de marimba.. Es un mundo no localizado; es la actitud de seguir una moda, sin comprender lo que es el desarrollo de la vida.. Cómo explica ese cambio?.. Recuerdo que en mi generación todos comenzábamos trabajando.. Me costó mucho lo que quería.. Empecé barriendo pisos.. Permitirme comprar un disco era una cosa extraordinaria.. Compraba todo tipo de música?.. Sí, hasta la música electrónica.. Pero.. (Y ríe).. Durante años me pasé comprando los discos por la cubierta, como buen admirador de la fotografía.. Pero ya no lo hago.. Aparte de eso, desde que se me dañó el oído, oigo bien la música, pero varió mi apreciación.. Eso sí, tengo oído de tísico y cuando la gata que ha estado enferma maulla, inmediatamente me levanto a ver qué le está pasando al animalito.. Y (por las noches) aquí pasan tantos bolitos improvisando boleros Ðuno en especial: creo que se llama Mala mujerÐ (Canta).. Lástima que de noche no se ven porque ya los hubiera dibujado.. No pinta lo que oye?.. Claro, y lo que leo, porque somos producto de todo eso y del entorno.. Toda la vida he sido compulsivo y he salido con un cuaderno de apuntes y un lápiz para pintar lo que me llama la atención.. Nunca he separado una manifestación de arte de otra.. Ese es mi campo de trabajo.. Porque leo, tengo más referencias; porque escucho música siento más alegría.. La poesía me hace ver la importancia de la brevedad de las cosas.. Pero ya no compro tantas cosas, la música y los libros eso es lo único que me hace caer.. Al principio trabajaba para pintar.. Empecé barriendo pisos, limpiando ventanas, haciendo fotografías, vendiendo tractores; fui agente cinematográfico en Roma, trabajé en una casa discográfica, fui traductor, gerente de un hotel; promoví comerciales para la televisión.. El trabajo es algo a lo que nunca le he dicho: No.. Es para mí algo natural y lo hacía para perseguir mi sueño, que era la pintura.. Demás está decir que esa variedad influyó en su manera de pintar la vida.. Hay mucho prejuicio en todos los campos, en todos los estratos sociales y en todo tipo de relaciones.. Cuando uno ve las cosas con prejuicio tiende a despertar lástima, cólera, o a establecer reglas para que los demás vivan.. A la gente le encanta ponerle a los demás las normas bajo las cuales debe vivir.. Trato de no hacerlo.. Considera que esos prejuicios se han hecho más fuertes en Guatemala?.. Es condición humana.. La educación y las memorias provocan en el hombre un ordenamiento de la vida que él ya aceptó.. Por ello, si es propio, es el mejor y si es el mejor, tiene que ser impuesto a los demás.. Si no es lo propio, es pecado.. Para mí, el único pecado que existe  ...   causante de la confusión que nota en los pintores jóvenes?.. Pienso que es un factor importante, pero, además, hay apatía.. Qué ha sucedido con el arte guatemalteco?.. Las manifestaciones en el campo del arte se han multiplicado, el contexto y el espíritu han variado.. Muchos dirán que se debe a la época que vivimos, pero el artista no lo es sólo para un período, salvo casos como el de Rambaud, por ejemplo, entre pocos.. Los grandes aportes son de una obra consistente y consciente de toda la vida.. Cómo definiría el sello de una obra firmada por Banús?.. Las influencias son innumerables y cualquier cosa que uno vea, se graba, pero es distinta la forma como están realizadas, deformadas e inventadas las figuras.. Deformadas?.. Tal vez es una palabra fuerte y sería mejor decir variada.. Veo la anatomía humana como una arquitectura, que tiene bases, pero con la que se puede jugar después.. La perfección de la figura, Dios sabe, es muy efímera.. Una de sus obras más recientes incluye animales raros si se le puede decir así a un carnero con pico o un insecto gigante con cara de perro.. En todos mis cuadros hay animales.. Los mitos están cargados de ellos y estoy acariciando la idea de hacer una zoología fantástica.. Se habla del instinto animal de los humanos, pero no de la humanidad de los animales.. Es que no les han visto los ojos.. En su obra hay óleo, acríclico, tinta, lápiz, pastel Cuál prefiere?.. Más que todo eso hay oficio.. Y cómo nace? Quizás por la codicia de querer abarcar tantas cosas.. Pero no es codicia.. No sé cuál es la palabra, pero de lo que se trata es de no sublimar lo que uno hace, sino de verlo como un trabajo válido.. Existe entre sus obras alguna que merezca ser considerada la favorita ?.. trabajar frente a una obra es como estar en un laberinto que te mantiene concentrado.. Cada instante crees que es lo mejor que has hecho, y cuando la terminas, la descartas.. Es lo que viene atrás lo que importa y no hay tiempo para detenerse.. Ojalá no haya hecho todavía mi obra favorita.. Además, no hago planos anteriores, empiezo una obra y la desarrollo, añado y quito.. No hay una preconcepción.. Cuál es para el artista el encanto de cada obra?.. La profesión constante es la calidad en la vida de un artista.. Apartar una obra es como haber llegado ya a un enorme orgasmo que no vas a repetir nunca, y eso no ha sucedido.. Usted habla mucho de profesionalismo y de oficio.. Generalmente, se piensa en la musa que le toca a uno la frente y que le trae la inspiración, pero eso es un lugar común.. La pintura es una profesión de mucho cansancio y de trabajo constante.. Nadie puede convencer a nadie de nada, y menos de sus bondades, cuando se trata de un trabajo como éste.. Como dice el dicho: El que expone se expone.. Más de 40 años.. Se ha considerado siempre más un dibujante que un pintor.. Si se busca una fecha que marque el principio de la carrera de Ramón Banús, él recuerda 1957, cuando tenía 19 años, pero realmente ha pintado toda la vida.. En 1962, expuso en la galería The Old Brook de Spoleto, Italia, país donde de los maestros renacentistas tomó la perfección en el dibujo.. La primera retrospectiva de su obra se presentó en 197O, al regresar de Italia.. Un año después expuso, en El Salvador y en Guatemala, una colección de dibujos a tinta.. En su estudio galería de esta ciudad expuso varias colecciones privadas.. En 1982, recibió el título de Maestro de Arte y en 1983 inauguró la sala de exposiciones del museo Popol Vuh, con su colección Los soñadores.. En 1989, presentó en retrospectiva unas 150 obras de su autoría, desde 1961.. Su obra ha recorrido el mundo.. Volvió a Italia 30 años después, en el Festival Castellarte 92, en Castellalto, Téramo.. El cristal con que se mira se tituló su exposición en 1998.. Al año siguiente, su libro de apuntes La Mesa Puesta lo complementó una exhibición instalación que se reinstaló en el 2000.. Este año, una exposición personal en el proyecto cultural El Sitio, y Ayer hoy y mañana, en la galería Plástica Contemporánea se suman a la trayectoria del artista..

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  • Title: Arnoldo Ramírez Amaya
    Descriptive info: Sobre la libertad, el dictador y sus perros fieles.. México: Siglo Veintiuno Editores, 1976.. Rodríguez Amaya, CAZADOR DE GORILAS.. Gabriel García Márquez.. Un fastasma recorre a América: el fascismo.. Muchos compatriotas de este continente de maravillas e infortunios lo padecen a diario, muchos otros lo han vislumbrado, pero sólo uno lo ha visto por dentro y por fuera.. Ese hombre nació en Guatemala, se llama Arnoldo Ramírez Amaya, y es el autor de este libro de escalofríos.. El arte de Ramírez Amaya es una trampa infalible para cazar gorilas.. Pasen a verlos, señoras y señores; entren a reconocerlos en este jardín zoológico de la fauna militar, descuartizados a pluma y tinta china y exhibidos con las tripas al sol como la ropa puesta a secar en los patios de vecindad.. A veces sólo se les ven los colmillos.. Casi siempre se les ve la mano de rapiña, recurrente y feroz, la extrema mano derecha de destripador que tira la piedra y esconde el cuerpo entero.. No se nos revelan sus nombres ni sus rostros.. Pero los identificamos por su recóndito olor a mierda: son los gendarmes del imperio, los sirvientes de charretera y chafarote de la burguesía confabulada, hijos todos de la misma madre que están transformando el continente en un  ...   que encontró al cavar en la tierra no eran diamantes ni caracoles sino huesos de muertos, anillos matrimoniales de muertos recién casados, zapatos de enterrados vivos en aquella hortaliza de muertos que había sido el cementerio privado del inquilino anterior, un matarife oficial de cinco estrellas.. Se sabe del estado mayor de un partido político de Guatemala que fue secuestrado en sesión planaria por sicarios del régimen, junto con las mujeres que hervían el café en la cocina y los niños que se chupaban el dedo en su regazo, y nunca más se volvió a encontrar el menor rastro de ellos.. Sin embargo, todo esto sucede en Guatemala sin que nadie se estremezca en el resto del mundo, pues la represión guatemalteca es peor que las otras no tanto por su intensidad insaciable, ni por su ferocidad descorazonada ni por su antigüedad prehistórica, sino porque ya no queda casi nadie en el mundo que se acuerde de ella.. De modo que Ramírez Amaya - a quien le hubiera bastado con ser guatemalteco para desentrañar la naturaleza irracional del fascismo criollo -nos ha hecho con este libro, entre otros muchos favores, el inmenso favor de ponernos en guardia contra el olvido.. Aquí está.. Vuelvan la página, y apréndanse de memoria esta pesadilla..

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  • Title: Isabel Ruiz
    Descriptive info: Historia sitiada.. , de la serie 1992.. Técnica mixta, 70x100 cms.. Historia sitiada,.. de la serie 1992.. de la serie 1991.. Técnica mixta, díptico de 102x140.. 7 cms.. Isabel Ruiz..

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  • Title: Rudy Cotton
    Descriptive info: El Diálogo.. 35 x 45 cm acuarela.. 1986.. Ilustración de la portada del libro de Miguel Angel Asturias.. Periodismo y Creación literaria, París 1924-33.. Colección Archivos-UNESCO..

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